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Muy pronto será tarde: Helena Fernández-Cavada en Desiré Saint Phalle

Invitación 2Muy pronto será tarde es el título de la actual muestra en la galería Desiré Saint Phalle. En ella, Fernández-Cavada utiliza el espacio de la galería para la puesta en escena de una exhibición que no podemos ver en su totalidad, solo imaginar. De las paredes penden algunos dibujos y un par de puntas de flecha fundidas en bronce. Ambos vestigios nos señalan al centro del espacio, donde nos espera un mueble con distintos cajones. Sobre él el catálogo de la exhibición donde se clarifica el proceso de escenificación: las obras fueron dispuestas, registradas y posteriormente almacenadas. Algunos dibujos habitan aun la galería.

La artista conoce al espectador y su velocidad, sus ansias por recorrer el espacio y tal vez hasta su pereza ante los retos de interpretación que presenta, ya no el arte, sino la vida. En sus proyectos previos, Fernández-Cavada se ha enfocado en revertir esta aceleración y forzar al espectador en distintos formatos que van del mural y la instalación hasta los libros, a tomarse un momento para palpar su propia experiencia. En Pasatiempos, proyecto del 2011 que se presentó en el Laboratorio Arte Alameda, la artista dispuso una serie de bancas escolares sobre las que el público podía resolver distintas variaciones –dibujadas por ella– a los tradicionales pasatiempos, tocando con esta acción las nociones de ocio, aburrimiento y entretenimiento, esenciales en su producción.

En Muy pronto será tarde la artista retoma estas ideas aludiendo una vez más a la rapidez con que sucede la vida específicamente en el ámbito de la galería. Sobre el título de la muestra declara, divertida, que “hay una aceleración de la vida cotidiana… las exposiciones se montan y se desmontan y cuántas veces querías ver una muestra y no llegaste porque ya hay otra…”

La interactividad entendida como aquello que dispara la creatividad del espectador, más allá de la vulgar participación física, está presente en esta muestra que en cada cajón, cada dibujo y cada página recompensa nuestra paciencia.

Hasta el 23 de marzo.

Galería Desiré Saint Phalle. Colima 25A. Colonia Roma.

De miércoles a viernes de 11 a 19 hrs. Sábado de 11 a 16 hrs.

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Jonas Mekas en el MUAC

2013-02-22 11.02.52“Estamos formados por millones de influencias porque somos pequeñas hojas de este gran árbol llamado humanidad.” Jonas Mekas

El Museo Universitario Arte Contemporáneo en colaboración con la Serpentine Gallery de Londres presenta una breve muestra del cineasta experimental, fotógrafo y poeta Jonas Mekas. Una serie de eventos, conferencias y talleres para celebrar las distintas facetas del prolífico artista octagenario se presentarán paralelamente en el museo y en el actual Festival Internacional de Cine de la UNAM.

Allen Ginsberg, Yoko Ono, John Lennon y Andy Warhol desfilan naturalmente en las fotografías de Jonas Mekas (Lituania, 1922). La efervescencia del Nueva York de los años 50 y 60 que recibió a este artista puede sentirse en las fotografías, cintas y poemas en las que Mekas congeló los momentos más sutilmente significativos de aquella enorme ola creativa que nos dejó

algunos de los movimientos artísticos más importantes de la historia contemporánea. Tuve mucha suerte de ir a Nueva York en 1949. Fue un tiempo, a lo largo de los siguientes 10 o 15 años, en que todo comenzó a cambiar, declaró el artista en una visita al MUAC, en teatro, en poesía, en música… teníamos a John Cage, a Mercer Cunningham, fue el fin de Martha Graham y la nueva danza estaba llegando. La generación Beat estaba ahí… Había excitación en el aire, Jackson Pollock estaba ahí, y por supuesto Andy Warhol llegó después, había intensidad.

Tal vez fue su condición de exiliado la que lo llevó a experimentar con el cine a partir de un deseo por captar la poesía de que se forma la vida; las sutilezas de cada momento, la esencia de los sentimientos que se viven sin importar las fronteras. Una de sus mayores influencias, Konstantín Stanislavski, director y pedagogo teatral ruso (cuyo natalicio 150 se celebró esta misma semana en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM), le enseñó a través de sus escritos a aceptar las sorpresas de cada momento: En mi país, en Lituania, cuando tenía 14 o 15 años, me uní a un pequeño grupo de teatro que fue iniciado por uno de los estudiantes de Stanislavski… lo que me tocó profundamente fue su libro An Actor Prepares.. no trata sobre qué hacer cuando, digamos, te unas a una compañía de teatro, sino cómo te preparas a ti mismo como ser humano, desarrollando sensibilidades en todo aspecto de tu ser para permitir que después estés abierto a todas las posibilidades que puedan surgir. 

Esta apertura se tradujo en una pulsión casi obsesiva por apoderarse de cada instante. La película de 5 horas de duración titulada As I Was Moving Ahead, Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty es una muestra de su estilo narrativo, compuesto por pequeños fragmentos de vida acumulados a lo largo de 50 años. Cuando algo me hace sacar mi cámara y grabar ese momento no sé cuál fue la razón que me hizo querer grabar, pero sé que hay una razón, porque todo tiene una razón y la razón soy yo, la totalidad de mi pasado, lo que soy… He pensado mucho en esto y mi conclusión es que en ese momento hay algo universal, no personal…  recuerdo una carta que Dostoyevski le escribió a un joven escritor… el joven le escribe a Dostoyevski ‘trato de ser universal, como Tolstoi, ¡pero todo sale tan personal!’, Dostoyevski le contestó ‘No trates de ser universal, trata de desarrollar tu estilo personal, sé personal, pero debo decirte que eso es lo más difícil de conseguir.’ Y es que solo cuando eres realmente personal es que llegas a lo universal.

La muestra Jonas Mekas es breve pero requiere del espectador la apertura que proclama el artista como fundamento de su creación. Sus fotografías de figuras emblemáticas de la cultura occidental sirven como introducción al momento histórico en que se inscribe la producción su producción, una era tan apasionada como dolorosa marcada por la guerra, la separación de su país y su familia, la persecución política y un intenso deseo por sobrevivir y crear en medio de la muerte y la destrucción.

Conmovedora y pertinente ante la aparente vacuidad del presente, visítela usted –con mucho tiempo para ver las distintas películas y de preferencia entre semana– hasta el 9 de junio.

Consulte la programación de los eventos en www.muac.unam.mx

publicado originalmente por Marisol Rodríguez en www.frente.com.mx

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Mexican Showing: Myles Starr en Bikini Wax

tmp close upGoogle Poetics (googlepoetics.com), el sitio originalmente en finlandés que Sampsa Nuotio y Rausa Omaheimo crearon el año pasado obtuvo 11,000 visitas únicas en sus primeras 10 horas de vida. La gran idea de este par nació de una casualidad: al buscar información sobre su próxima junta de AA, Nuotio escribió en Google “Soy un alcohólico”, a lo que Google sugirió como búsquedas afines:

am I an alcoholic

am I fit to drive

am I allergic to dogs

tell me, Andriy, am I

Estas sugerencias, que los autores interpretaron como poemas y que nacen de la afinidad entre palabras e ideas registradas búsqueda tras búsqueda por Google, también llamaron la atención del New York Times, diario que en noviembre le dedicó una nota a los estereotipos raciales que estas búsquedas revelan cuando por ejemplo uno comienza la pregunta “Why are Americans so…” a lo que el sitio de búsquedas responde, sugiriendo: “so racist”, “so stupid”, “so ignorant” y “so fat.”

La obra de Myles Star continúa la ola de interpretaciones que han provocado las sugerencias de Google, destinadas según la empresa a ahorrarle tiempo a los usuarios al completar sus frases (ideas), si bien la estrategia de Star parte del resultado para objetivar la pregunta. El ámbito que el artista escoge revelar es el de la pornografía, pues como afirma “Después de todo, no existe una ventana más clara hacía nuestros deseos, motivaciones y relaciones interpersonales que quién, cómo y porqué queremos coger.”

En Mexican Showing, Star crea una serie de búsquedas a partir de lo que el curador Daniel Aguilar Ruvalcaba llama pornosistemas, comunidades de organismos –heterosexuales, homosexuales y otros– que en conjunción con su ambiente –cosas como dinero, tiempo y trabajo– iinteractúan como un sistema. En las búsquedas que componen la serie expuesta, el artista identifica los elementos de, por ejemplo, los sistemas de clases en Latinoamérica a partir de la pornografía que el continente genera y ve, a saber: “Tipo con oficina masiva en la Torre Mayor en un hotelucho de $15 pesos en Viaducto Tlalpan saciando su fetiche por chicas morenas con las que teme casarse.”

Visítela usted hasta el 12 de marzo en Benjamin Franklin 20. Interior 2. Delegación Miguel Hidalgo

Publicado originalmente por Marisol Rodríguez en www.frente.com.mx

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Ver llover: The rain room en el Barbican

IMG_5679Dicen que en Londres siempre llueve. La bruma permanente sobre el Támesis, la humedad que emana de los lagos de Hyde Park y de Kensigton Garden, y los diferentes tipos de lluvia que caen sobre la inmensa capital inglesa son situaciones que no tienen nada de míticas. Uno puede considerarse afortunado si alguna vez vio Londres con sol, dice claramente el Lonely Planet.

Las experiencias de contemplar una tormenta de Turner en la National Gallery o de leer una descripción de aguacero de Dickens, aunque sea en una traducción al español, son extraordinarias. Se podría considerar que apreciar un chubasco sin mojarse es una expresión artística bastante masticada en los últimos tres siglos. También se podría suponer que, en esa ciudad en la que siempre caen trombas, una obra más sobre la lluvia podría pasar desapercibida.

Tal parece que a los curadores del Centro Barbican de Londres, una instalación con agua de verdad, cayendo del techo al piso frente a los espectadores, les pareció una idea de lo más original. El éxito de la Rain Room ha sido tal que la fila para ingresar a la galería The Curve supera, en algunos momentos, las dos horas de espera, como si al otro lado del muro fuese a aparecer el sonriente Gene Kelly en persona, entonando y zapateando su homenaje a la lluvia. Pero el atractivo de esta instalación es que, contrariamente al bailarín de Hollywood, los espectadores saldremos secos de la experiencia. Debemos interactuar con las sucesivas cortinas de agua para contemplar el impacto de nuestra existencia sobre la obra. Tal como un Moisés contemporáneo frente al Mar Rojo, las aguas se abren para dejarnos avanzar y se cierran detrás de cada uno de nosotros, sin jamás ser tocados por el agua. Nunca nadie en Londres había podido controlar la lluvia a su paso.

Un máximo de diez personas pueden acceder a la obra, luego de ingresar por una larga y alta sala curva de muros negros – que le da el nombre a la galería. Una sala que, al igual que un embudo, se hace cada vez más estrecha, lo que acentúa el resplandor de la luz al final del túnel y el estruendo de la tempestad que parece caer al otro lado. La evocación del útero oscuro y húmedo, tan socorrida en los ingresos de las exposiciones de arte contemporáneo de esta década, es uno de los momentos más logrados de la iluminación.

Lampareados por la dramática luz que proviene de un solo punto, el espectador puede entonces contemplar la caja de lluvia como un encuadre cinematográfico y experimentar en carne propia, la lluvia artificial. El agua que cae perfectamente recta desde lo alto de la plataforma, suspendida a 4 metros de la rejilla del suelo (evite ir de tacones), es controlada de forma numérica. Los sensores detectan la presencia y los movimientos del espectador sobre los 100 metros cuadrados de la instalación. Como si nuestra existencia fuese nuestra propia “umbrella”.

El Colectivo Random International es el autor de esta obra. Fue fundado en Londres, en el 2005, por tres egresados de la Royal College of Arts: Stuart Wool, Florian Otkrass y Hannes Koch. Un almacén en Chelsea, ahora transformado, es la sede de este estudio emergente que explora lo material y lo inmaterial, lo animado y lo inanimado. Son considerados como los pioneros en el uso de las nuevas tecnologías para sus performances. La combinación de disciplinas tales como el arte, el diseño y la arquitectura es lo que les permite crear sofisticadas situaciones lúdicas y estéticas. Inspiradas del arte Op y del arte cinético, las experiencias son tan extrañas como inquietantes. Cada una, narra la relación entre el hombre y su imagen, entre el hombre y los objetos.

La Carpenter Workshop, con sedes en Berlín, Londres y París, presenta actualmente en cada una de sus galerías, obras de Random International. “El comportamiento de los objetos” se expone en Londres, mientras que París exhibe “Antes de la lluvia”, una retrospectiva de todas sus obras, donde la luz, el reflejo y el movimiento fueron los primeros ejes de creación.

 

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Benjamín Torres en la Galería Hilario Galguera

Benjamín Torres (México, 1969), presenta su obra reciente en la Galería Hilario Galguera. La muestra Luz Obscura está compuesta por 11 nuevas obras, impresiones a gran formato de los collages trabajados por el artista a partir de revistas de arte fuera de circulación de los años 80 y 90. Con dll proceso de creación de estas imágenes el artista juega con el significado de la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, literalmente, al utilizar materiales industriales como las revistas para crear una obra única al digitalizar el producto de la experimentación –un collage– eliminando todos los archivos o pasos previos a la obtención de una impresión única, incluyendo el archivo digital del que nace la reproducción.

Después que trabajar decenas de collages, el artista realizó un proceso curatorial de su propia obra para llegar a la selección que hoy podemos ver en la Galería: once piezas en las que la mirada, el misterio y los distintos filtros con que se nos presenta la realidad se manifiestan en los juegos sintácticos propios del collage, ricos en significación y referentes atemporales. Al respecto de su proceso de trabajo platicamos brevemente con el artista antes de su inauguración el pasado 9 de febrero.

F: Háblanos más sobre tu proceso de trabajo con estas piezas

BT: Las piezas las trabajo individualmente, cada una es un universo en sí misma, pero después cuando el proceso crece y empiezo a observar todas las piezas que hice inevitablemente hay relaciones,  y muchas veces no soy 100% consciente de ellas, también mi proceso es muy intuitivo pero no es 100% racional. Tiene una parte racional obviamente, pero tiene una parte intuitiva muy grande que me interesa. Es importante mezclar las dos formas, muchas veces trabajo los collages muy intuitivamente y a la hora de hacer la selección final viene el proceso racional en el que encuentro ciertas constantes en el trabajo… es natural, inevitable…

F. Tus piezas tienen una inequívoca estética surrealista…

BT. Es la segunda vez que me lo mencionan, y me llama la atención que los remita a una estética de vanguardias de principios del siglo XX. A mi me agrada esa relación, no la veo tan presente pero se me hace lógico que suceda, sobre todo por el collage que es una técnica que se desarrolló mucho por las vanguardias, pero más que el collage surrealista el que me interesa es el collage dadaísta, es de donde yo parto. Mi obra pertenece más a la tradición dada que a lo surrealista.

Todas las imágenes son de revistas de arte que están fuera de circulación, la mayoría son revistas de los 80 que ya de por sí el papel tiene una patina temporal, ya estaba desgastado por el tiempo, entonces también eso les da esa apariencia.

F. ¿Cuál fue el criterio que utilizaste para seleccionar las revistas que interviniste?

BT. Siempre me han gustado las revistas, desde muy jóven, y tenía y sigo teniendo una fascinación con ellas, desde antes de decidírme a ser artistas compraba revistas y las coleccionaba. Después cuando empecé a hacer collage a los 6, 7 años, me dí cuenta que tenía una colección muy grande… y fue un banco de imágenes increíble que me sirvió, fue muy natural…

F. ¿Cuándo es que ‘te decidiste’ a ser artista?

BT. Lo decidí cuando tenía unos 14, 15 años, lo primero que hice fue un dibujo y a partir de ese dibujo fue que quise dedicarme al arte de tiempo completo. Yo empecé haciendo cosas de manera muy autodidacta y así trabajé varios años, pero después me di cuenta que era importante entrar a una escuela, no por las cosas que te enseñan pero por relacionarte con gente que está haciendo  lo mismo que tu de tu misma edad, porque eso te abre el panorama…

F. ¿Notas en estos collages influencia de tu formación académica como escultor?

BT. Si, totalmente. De hecho la escultura me llevó al collage. Yo trabajaba la escultura de manera constructiva, hacía muchas piezas en madera, la seleccionaba y luego la ensamblaba, y pues es un proceso de ensamblaje y de construcción; el collage es exactamente lo mismo solo que es bidimensional, pero se trabaja de la misma manera: seleccionan imágenes, se recortan y después se unen en una estructura. El proceso es muy muy similar, muy escultórico.

Hasta el 15 de marzo. Galería Hilario Galguera. Francisco Pimentel 3. Colonia San Rafael. de Lunes a viernes de 10 a 18 hrs. Sábados de 10 a 14 hrs

Publicado originalmente por Marisol Rodríguez en www.Frente.com.mx

 

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Yolanda Vargas Dulche, contadora de historias

De entre todas las historias que le dieron fama a Yolanda Vargas Dulché (1926-1999), tal vez la más interesante  sea la que dejó inconclusa cuando murió de una embolia pulmonar en 1999. Su novela autobiográfica, Aroma del Tiempo, nos habría contado sobre una chica pobre pero trabajadora que vivió una infancia marcada por la separación de sus padres; al crecer se acercó a la fama al acompañar con su voz a Agustín Lara, una de las estrellas de la canción más grandes de su tiempo, hasta que descubrió que su verdadera pasión, escribir historietas, era más redituable que su vida detrás del micrófono. Acompañada de su esposo y colega, Guillermo de la Parra, Yolanda Vargas Dulché se convirtió en una de las escritoras más famosas de México a fuerza de repetir historieta tras historieta -sin duda, con sus excepciones y variantes- el arquetipo femenino que ella misma encarnó: mujer humilde pero talentosa supera la pobreza y vive por siempre feliz acompañada de su príncipe azul -su marido, por supuesto-, muchos hijos y más nietos.

A lo largo de su vida, Yolanda Vargas Dulché le dio forma de historieta a los supuestos dramas femeninos de los años 40 a los años 90, décadas en las que publicó cientos de argumentos, principalmente en la historieta Lagrimas, Risas y Amor, que giraban en torno a las aspiraciones sentimentales de las chicas modernas del México postrevolucionario.

Durante los años 50, la autora se convirtió en una parte esencial en la receta original de las telenovelas, género televisivo tradicionalmente latinoamericano para el que se adaptaron algunas de sus historietas más famosas: El Pecado de Oyuki, Gabriel y Gabriela, Rubí, y Alondra, entre otras.

La muestra Yolanda Vargas Dulché. Contadora de historias se centra en la vida de la autora y sus más celebres historietas, escogidas cuidadosamente tanto por su éxito como por su singularidad. Gabriel y Gabriela, por ejemplo, es una intrincada trama en la que un solo personaje femenino debe hacer las veces de chica refinada -Gabriela- al mismo tiempo que, obligada por la pobreza, debe llevar una doble vida fingiendo que es hombre -Gabriel-. Los giros y sorpresas, pifias sentimentales, desencantos y tragedias genéricas plagaron esta y otras historias en las que puede leerse la visión de género que, con o sin intención, Vargas Dulché popularizó durante su carrera.

No obstante la riqueza de lecturas que semejantes dramas propician, la exhibición se conforma con mostrarnos sólo la superficie del universo de la creadora del famoso Memín Pinguín (que apenas se menciona) y también fundadora de Editorial Vid, la distribuidora CITEM y otras empresas dedicadas a la producción de historietas originales, la reproducción de otras extranjeras (como Superman y Batman, de las que adquirió los derechos en los años 80) y la distribución de medios impresos nacionales e internacionales.

Las historietas como fuerza alfabetizadora, transmisora de valores y las nuevas tradiciones de la ciudad durante la primera mitad del siglo XX en México es mencionado distraídamente en una exhibición valiosa en tanto introducción a ese mundo inexplorado y largamente subestimado de la historieta mexicana. En él, Yolanda Vargas Dulché tendrá siempre un lugar protagónico no sólo como una destacada y prolífica autora en un mundo de hombres, sino también como una tenaz empresaria que capitalizó su talento para darle continuidad, como nadie más en la agonizante industria lo hizo, a su pasión y oficio.

Texto publicado originalmente por Marisol Rodríguez en Frente

Hasta el 31 de marzo, 2013.

Revillagigedo 11, Centro Histórico. Horarios: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. Entrada general: 40 pesos (domingo, entrada libre).

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En todo y en todas partes: Edward Krasiński en Kurimanzutto

 “Cinta Scotch azul, de 19 mm de ancho, longitud desconocida. La pego horizontalmente en todo y en todas partes, a una altura de 130 cm” así definió Krasiński su obra que, en los límites de la pintura y la instalación, generó un cuerpo extenso de teoría y crítica a su alrededor.

Artista nacido en Ucrania en 1925 en el seno de una familia aristocrática polaca, Krasiński se educó en la alemana Escuela Estatal de Artes y Oficios (Staatliche Kunstgewerbeschul) de la que se graduó realizando sus primeras obras en forma de ilustraciones y dibujos de corte editorial y comercial. En 1968 comenzó a utilizar la cinta azul en obras de diferentes formatos: instalación, fotografías, esculturas y acciones. Nunca más volvió a dejar este material que se encuentra aplicado en la nueva exhibición de la galería Kurimanzutto.

Junto con la última obra que produjo Krasiński antes de morir en 2004 (Sin título, 2001), se presenta en En todo y en todas partes el documental que la cineasta francesa Babette Mangolte realizó acerca del estudio del artista, un departamento en el piso más alto de una unidad habitacional al que el artista convirtió poco a poco en una obra que actualmente puede ser visitada en Varsovia.

Los horizontes azules interrumpidos por lienzos blancos de Krasiński conviven en esta muestra con las esculturas de la artista escocesa Karla Black y la rumana Marietta Chirulescu, quienes recalcan desde sus contextos limítrofes (la Europa occidental y la frontera de Europa central) el carácter post pictórico a través de sus composiciones geométricas, afines a las del constructivismo más como teoría de construcción del pensamiento a partir de gestos individuales, que como arte social y autónomo.

La muestra, que se plantea como un tributo Krasiński y a la “manera de pensar respecto al montaje de exposiciones” al mismo tiempo que intenta “entrar en sintonía con un tipo de sensibilidad artística efímera”, se presenta hasta el 18 de agosto de 2012. 8 de septiembre de 2012.

Vox Populi, Vox Fail XIV

Vox Populi Vox Fail está de vuelta para celebrar que Observatorio de Arte renació de las cenizas en que nos dejaron, una vez más, los hackers. La voz del pueblo reclama su lugar en su sección fallida y en esta ocasión lo hace desde Berlin, porque las audiencias también apestan en Europa. Disfruten:

Al osito asesino no le gustó tu arte, Ai Weiwei:

Hablo español… me llamo Jenny… estuve aquí… no sé por qué estuve aquí…

Me muero… digo, Me gusta. Me gusta tanto como un buen meme.

AMAZEBALLS

Al dibujito invisible le gustó tu arte, Ai Weiwei

La mujer gatito se la pasó bien:

Los hipsters también fallan:

El poder catártico del arte:

¡Aleja tu pene de mi ojo, Ai Weiwei!

Brillante, como este pitito que voy a dibujar aquí:

El primer premio a la crítica de arte:

 

Islas que se hunden en LABOR

Diminutas partículas de polvo de circón vuelan por los aires en A World Undone, el video del artista australiano Nicholas Mangan, obra que, irónicamente, le da un significado terrenal a Sinking Islands, la nueva exhibición de la galería LABOR.

Como un retrato del nacimiento de las estrellas, su convulsión y traslado en el universo en cámara lenta (o rápida), las partículas doradas se mueven en la oscuridad de una sala de video. El silencio, una presencia más en el amplio espacio, nos rodea como debió rodear a este mismo polvo que vio nacer a la corteza continental de la Tierra hace 4,500 millones de años.

La obra, basada en este vestigio del planeta encontrado en las colinas al oeste de Australia e indicio que ayudó a la comunidad científica a datar el Big Bang, sirve igualmente de pista para descifrar los conceptos que el curador Vincent Normand utiliza como ejes de esta muestra.

–deja que la isla se hunda: caiga, como una historia que no tiene lugar y como un lugar que no tiene historia.” Vincent Normand

Sinking Islands toma su nombre de un pasaje contenido en La literatura nazi en América, ficción de Roberto Bolaño en la que el autor chileno describe en viñetas enciclopédicas a una serie de partidarios del Tercer Reich. En el tomo publicado póstumamente, Bolaño describe a Juan Mendiluce Thomson como el escritor de Islas que se hunden, un libro con “conversaciones entre personajes indistintos y descripciones caóticas de un cúmulo interminable de ríos y mares.”

Los personajes indistintos que Normand seleccionó para conversar en Sinking Islands son Katinka Bock, Hernán Díaz, Fabien Giraud, Karl Holmqvist, Nicholas Mangan, The Institute for Figuring, (una “organización dedicada a la dimensión estética de las ciencias, las ingenierías y las matemáticas” que colaboró en la muestra con los Modelos en crochet del espacio hiperbólico incluidos en el libro gratuito que a manera de escultura acompaña a la exhibición) y Etienne Chambaud, artista francés representado por la galería que en 2010 presentó la espectacular Sobre la hospitalidad en el espacio que LABOR ocupaba en la Colonia Roma.

La filosofía, la transmisión del conocimiento, el aislamiento que trae consigo la insularidad, la transformación de las islas en continentes y el carácter mismo de la Tierra como isla en el universo son la materia que conforma la más reciente muestra en la galería LABOR.

La transmisión del conocimiento y la galería como el espacio en que se da este supuesto intercambio es abordado por Chambaud en Lapidation Piece, obra en la que una serie de piedras grabadas con una letra cada una (las letras que forman la ficha técnica de la pieza) es arrojada a la pared, afectando sólo superficialmente al contenedor de la exhibición como metáfora de esfera racional en la que las conexiones cognitivas son reemplazadas por impactos sensoriales.

La exclusión y el aislamiento de la insularidad se traduce en esta muestra en geografías de territorios filosóficos aun sin mapear (como los del realismo especulativo –ver Glosario- que utiliza Normand en su ensayo curatorial) y en el rico cúmulo de polisemias que el espectador curioso encontrará en las superficies de esta silenciosa isla.

 

X no es la nueva Y: Rafael Lozano-Hemmer en El52

Lo interdisciplinario como base de la creación artística se encuentra en el corazón de esta muestra de obra reciente del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer. Científico de profesión, graduado en Fisicoquímica por la Universidad Concordia de Montreal y artista de vocación, Hemmer ha logrado posicionarse en los últimos 20 años como uno de los más importantes creadores electrónicos de nuestro país.

Científico graduado en Fisicoquímica por la Universidad Concordia de Montreal, Lozano-Hemmer ha logrado posicionarse en los últimos 20 años como uno de los más importantes artistas electrónicos de nuestro país

En el año de 2007 representó a México en la 52 Bienal de Venecia, el foro internacional de las artes más longevo (con más de un siglo de existencia) y uno de los más prestigiosos del mundo, con una obra muy similar a Espiral de corazonadas, que exhibe actualmente en la galería El52. En ésta, el espectador se sitúa debajo de una espiral de focos y toma dos sensores que registran su pulso. El bulbo más bajo comienza a palpitar al ritmo cardiaco del espectador al tiempo que los otros 199 bulbos –que guardan el pulso de los 199 espectadores anteriores- que lo rodean en espiral ascendente lo acompañan en una suerte de concierto luminoso que subraya el interés primordial de Lozano-Hemmer en esta exhibición: el hincapié en demostrar que los conceptos de presencia y ausencia no son antagónicos.

En X no es la nueva Y el artista retoma las reflexiones desarrolladas por pensadores como Octavio Paz y Bioy Cásares acerca de la posibilidad de coexistencia entre ausencia y presencia para combinarlas con tecnologías basadas en algoritmos que se activan cuando interactúan con el espectador o con un entorno virtual de alimentación ilimitada –siempre está conectado a Internet- para crear obras de arte que se encuentran en un perpetuo devenir.

Plataformas internacionales como Ars Electronica, una organización austriaca fundada alrededor de un festival de arte y tecnología, han demostrado a lo largo de décadas que es posible desarrollar paralelamente ciencia y arte y utilizar el uno para promover y comprender al otro. Lozano-Hemmer parte de la ciencia y la tecnología, el desarrollo de máquinas, algoritmos, entornos visuales alimentados por Internet, herramientas digitales de reconocimiento de movimientos y gestos y demás plataformas complejas para producir obras que en su aparente simplicidad acentúan la claridad de los conceptos importantes para este artista. X no es la nueva Y es una muestra imperdible que lo hará ver al arte contemporáneo con una mirada renovada al a al acercarlo, con apenas 7 obras, al arte kinetico y los ambientes interactivos que crea este sobresaliente artista.